Aires que levantan polvo de las raíces

Por María Luz Lassalle




Fotografía / Hernán Paulos


Seis mujeres con idénticos vestidos que sólo difieren en su color, polleras largas, pies descalzos y los pechos que se perciben libres bajo sus vestuarios; caminan lentamente, pero sin detenerse, sobre un escenario casi en penumbras, habitado por un piano y un violoncello callados. Durante este momento casi solemne, ingresan los espectadores.

Los instrumentos comienzan a hacerse escuchar. El sonido se apodera de una de las bailarinas cuyos movimientos dejan entrever una especie de zapateo, fuerte y a la vez femenino, cuidado y preciso. Se acoplan las cinco mujeres restantes, cada una con su danza; un malambo que se define, irá tornándose cada vez más masculino pero de una manera excesiva, grotesca. Aparece la voz como un murmullo visceral que irá adquiriendo más presencia hasta convertirse en una voz de guerra, una pantomima de patriotismo exagerado y cómico.

Casi como una marca registrada, Polvaredal, la nueva propuesta de Figueiras y Rímola, toca lo solemne, lo femenino y lo grotesco a la vez. Aparece en esta oportunidad una especie de burla al estereotipo masculino de raíz folklórica. La obra nos irá llevando desde lo lírico-poético con una hermosa copla acompañada sólo por caja, hipnótica, fresca y encantadora, a la comicidad de lo absurdo, con escenas como la representación extremadamente literal de la tan conocida letra de "La firmeza", dejando escapar alguna que otra risa proveniente del público.

Se hace presente un particular unísono de movimiento, momento donde los cuerpos toman preponderancia, comenzando por las piernas: firmes, marcando el pulso con templanza y fuerza; las faldas se elevan tapando la parte superior del cuerpo; las seis caderas femeninas bailan con su desnudez entera, acompañadas por la maravillosa música impartida por los instrumentos presentes. Esas polleras que adquieren distintas posiciones para generar diferentes connotaciones, juegan con las imágenes entrelazadas con la música, el ritmo, las formas, el folklore propiamente dicho; la caja que anteriormente se hizo escuchar, toma posición de "luna" mientras que la sala queda invadida con aires de hembra fuerte y femenina que levanta polvo de las raíces ancestrales.



POLVAREDAL

Idea y dirección: Laura Figueiras, Carla Rímola
Intérpretes: Bárbara Alonso, Noelia Meilerman, Eugenia M. Roces, Marisa Villar, Natacha Visconti, Paola Yaconis
Piano: Santiago Torricelli
Violoncello: Karmen Rencar
Música:Santiago Torricelli
Diseño de vestuario: Mariana Seropian
Producción: Laura Chidichimo Rinaldi
Asesoramiento hitórico: Eugenia Cadús
Diseño de luces: Claudio del Bianco
Asistencia de iluminación: Martín Fernandez Paponi

Producción y asistencia artística: Lali Chidichimo Rinaldi
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Este artículo fue escrito por María Luz Lasalle, en el marco de las actividades propuestas por el Seminario de PERIODISMO DE DANZA, a cargo de Ana González Vañek. La observación refiere a la presentación de la obra Polvaredal en el Portón de Sánchez (ciudad de Buenos Aires) durante el desarrollo del FIBA.




SECUENCIAS DE VOZ: La sonoridad de la mujer

La siguiente entrevista fue realizada por Catalina del Valle en el marco de las actividades propuestas por el Seminario de Periodismo de Danza Online, a cargo de Ana González Vañek, y fue seleccionado para ser parte de este blog literario. Felicitamos a Catalina por el excelente desempeño durante su cursada a distancia desde Chile.


Por Catalina del Valle

En el marco del festival de danza “Mixtura”, a cargo de la compañía de Danza en vuelo de la Escuela Moderna de música, se  presentó un fragmento de la obra SORORIDAD. Esta propuesta fue resultado de una convocatoria realizada a diferentes compañías independientes invitadas a mostrar un extracto de la última obra en la que estuvieran trabajando.

Dentro de éstos se encontraba “Secuencia para voz”, pequeño montaje de Francisca Silva dentro de la obra “Sororidad”, de la compañía I.D.E.a dirigida por Beatriz Alcalde. Esta pequeña obra dentro de “Sororidad” es la manifestación de sensibilidad, estados, sonidos y movimientos femeninos.

En la siguiente entrevista, Silva nos cuenta acerca de su proceso creativo y posterior presentación para finalizar explicando qué entiende por comunicar a través de la danza.

Fotografía / Gentileza Catalina Del Valle


CDV: -Francisca ¿Cómo surge la inspiración de crear este pequeño montaje? Háblanos de la música y los sentires al respecto.

FS: A Luciano Berio, creador de esta pieza musical, lo conocí en el año 2003 cuando yo tenía 23 años. Y cuando lo conocí se abrió el entendimiento del diálogo entre la música y mi vida cotidiana. Pude comprender que la danza contemporánea y la música contemporánea venían de la realidad de mi quehacer diario: de los sonidos, de las estridencias, de la incomodidad para vivir en la actualidad, del estar en el constante cuestionamiento mental/emocional, de alejarse del sonido armónico para buscar otra sonoridad, y en este caso específico venía de la voz femenina de Berio. Encuentro que se introdujo en la emocionalidad neta de la mujer.

CDV: Explícame eso de los sonidos emocionales de la mujer...

FS: El texto de Berio trata de los dichos de una mujer que le dice al hombre de millones de formas coherenteS e incoherentes, cómo es la mujer en sí, que ella quería que le cantara para que juntos en un diálogo pudiesen construir una casa. Ése era el mensaje. Entrar en un algo con otro, y eso me cautivó enormemente; aún me cautiva. Me cautiva la manera en cómo lo decimos. Y en este caso específico  la teatralidad de la voz femenina que se explaya en todas las posibilidades de emociones, posibilidades vocales-sonoras de la mujer, es la representación más contemporánea y real de los sonidos-emocionales femeninos. Me comunican sensaciones. Necesitaba ponerle cuerpo a esos sonidos.

CDV: ¿Y en qué momento esta creación forma parte de la obra “Sororidad” de la compañía I.D.E.a, dirigida por Beatriz Alcalde?

FS: En vista de cómo fue surgiendo la necesidad en la compañía I.D.E.a de generar una obra que hablara de la mujer y de sus necesidades, de sus demandas, de sus exigencias y  de su reconocimiento tan en la palestra en el 2018, le digo a Beatriz, directora de la Compañía: “Bea, existe algo que va a reflejar nuestra sensación” y esa es la secuencia para voz de Luciano Berio. Y ahí comenzó el montaje. Hubo esa coherencia que me hizo indagar más en esa sonoridad. Entonces cuando comenzó la creación de este montaje, fue toda una experimentación en cuanto a saber leer las posibilidades de movimiento y lenguaje que proponían los bailarines con sus cuerpos. Creo que eso fue lo más difícil del montaje. Encontrar y saber leer el lenguaje en común y las posibilidades de diálogo entre todos los participantes de este cuadro, que esta vez fueron en dúos. Tuvimos muy pocos ensayos y tenía que saber leer y poder empapar estos movimientos con y desde la sonoridad de Berio. Entonces en este pequeño montaje se dio que estrechamente sonido y movimiento son una manifestación en conjunto de emociones y sensaciones femeninas.



CDV: Entonces Francisca, a partir de esto, ¿qué es para ti comunicar a través de la danza?

FS: Para mí la danza es entrar en diálogo. Entrar en una conversación con otro a través del cuerpo que es el común denominador que tiene la danza como arte escénica. Comunicar viene de la idea de una común unión, de una comunión. Por lo tanto me sugiere un diálogo, una conversación entre dos o más personas, esto incluye al espectador. La comunicación o diálogo en la danza es generar un punto de partida con respecto a lo que se pretende trabajar o abordar en la creación. El cuerpo mío o del otro, está en constante reflexión y diálogo; con otros cuerpos o con el mundo real e irreal. La danza tiene gozo, displacer, trascendencia, pero a la vez tiene reflexión, tiene alma; y esa dinámica da vida a la poetización de la realidad. Digo poetización no en el estricto sentido de la rítmica o la parte bella de la poesía, sino que también tiene esta otra parte que nos incomoda, como bien lo hace el arte contemporáneo poniéndonos en una posición incómoda y nos da el espacio de escudriñar en uno mismo para resolver esta molestia y proponer a partir de eso. En la actualidad buscamos romper los fraseos de la danza dándole espacio a la performance y al lenguaje del no lenguaje. Es muy loco esto del diálogo porque finalmente empatizar con otra persona en el arte contemporáneo es lejos lo más difícil. Generar esta necesidad de buscar en uno mismo, en la propia verdad de cuestionar, de sentir, de emocionarse, de posesionarse y posicionarse, buscar y encontrar poesía.  Me refiero a trasponer la realidad a un estado particular en cuanto a la temporalidad y la significación de lo cotidiano, reinterpretando y repensando la disyuntiva de lo cómodo e incómodo de la vida cotidiana.-


SORORIDAD
Dirección: Beatriz Alcalde
Cuadro: "Secuencia de voces"
Dirección: Francisca Silva
Duración: siete minutos

Intérpretes
Anita Coloma
María Elena Gamboa
Luz María Venegas
Catalina del Valle
Verena klawitter
Camila Araya
Daniela Portilla
Erick  Campaña
Carolina Seguel
Belén Gardenes
Ingrid Sepúlveda
Lugar: Escuela moderna de música
Evento: festival de danza Mixtura, organizado por compañía Cuerpo en vuelo de la escuela moderna.
Fecha: 23-25 de enero del 2019




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La danza es comunicación
Por lo tanto el gran reto es hablar claramente, hermosamente y con certeza

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Obra de danza contemporánea explora la historia del río Copiapó

El siguiente artículo fue escrito por Sheyla Araya Jofré en el marco de las actividades propuestas por el Seminario de Periodismo de Danza Online, a cargo de Ana González Vañek, y fue seleccionado para ser parte de este blog literario. Felicitamos a Sheyla por el excelente desempeño durante su cursada a distancia desde Chile.


Fotografía / Gentileza Sheyla Araya Jofré


Por Sheyla Araya Jofré

El murmullo de la sala desapareció cuando se apagaron las luces y el espacio se iluminó con el sonido de un caudaloso río. Era el río Copiapó. Al instante quedó al descubierto que sería el principal sostenedor de la obra de danza contemporánea "Lágrimas secas" de la compañía De Atr3s, que se presentó el pasado octubre en el Centro Cultural Atacama.

Así comenzó todo un viaje por la memoria e identidad local. El sonido del agua recordó los juegos de la niñez en el río. Los cuerpos en escena exploraron  emociones simulando  el contacto con charcos de agua. La misma alegría de los pies podía observarse en los rostros que, junto a la música, transmitieron esa sensación de infancia feliz.

Mención especial para la propuesta visual que acompañó la coreografía a cargo del creador Rolando Yáñez con juegos de primeros y segundos planos que sustentaron los movimientos de los intérpretes.

Como el presagio más certero, el momento de auge llegó a su fin. Desapareció el sonido del agua para dar paso a un silencio algo inquietante y en las escenas siguientes la compañía abordó el dolor y el desgarro de la sequía; fantasma tan presente en los entornos actuales.

Mujeres y hombres abandonaron el estado de felicidad anterior. Se desunieron, se transformaron en grietas retorcidas de angustia y desesperanza. Aparecieron vestidos de color piel simulando la desnudez de un desolado paisaje.

Así, con los cuerpos doblegados en el piso, las manos se extendieron al infinito en distintos momentos. en un llamado permanente de ayuda. Se cubrieron la boca y los ojos. Quizás, aludiendo a una naturaleza, sorda, ciega y muda de dolor.

En medio de la aridez escénica irrumpió  el aluvión de 2015 que inundó gran parte de Copiapó. Los cuerpos transitaron por el escenario con incertidumbre, en lucha constante por volver a ponerse de pie; en definitiva, por sobrevivir, por buscar vida en la inmensidad del barro recurriendo al uso de linternas en un escenario totalmente oscurecido. 

Dolorosa postal que las y los intérpretes revivieron en ese momento emplazando el momento de recuerdo y reflexión más fuerte de la propuesta.

Esplendor, desastre y luego la posibilidad de reencontrarse con la vida. El escenario se convirtió en un ciclo natural dando paso, después del dolor, a la tranquilidad. De fondo, apareció la imagen de un tímido río, imagen que aún así sedujo y envolvió a los cuerpos todos, quienes juntos como al inicio, evocaron de manera colectiva la esperanza del renacer.



Ficha artístico-técnica
·         Ejecutora responsable: Soledad Miranda
·         Dirección general: María Isabel Neyra
·         Dirección artística: Patricia Enríquez
·         Intérpretes: Pía Olivares, Patricia Enríquez, Paulo Cifuentes, Soledad Miranda, Carlos Guerrero, María Isabel Neyra
·         Diseño audiovisual: Rolando Yáñez
·         Composición musical: Oscar Latorre- Ignacio Leiva
·         Diseño de iluminación: César Rodríguez
·         Diseño de difusión: Francisca Valdebenito
·         Diseño y confección de vestuario: Patricio Cailly

·         Financiamiento: Fondart