8vo FESTIVAL INTERNACIONAL DANZAFUERA

FESTIVAL INTERNACIONAL DE DANZA CONTEMPORÁNEA, PERFORMANCE Y ACCIONES TRANSDISCIPLINARIAS

8va EDICIÓN

19 al 27 DE FEBRERO - LA PLATA, ARGENTINA

Después de una edición interrumpida por las medidas sanitarias implementadas para evitar la circulación del Covid19, elegimos volver a la calle para celebrar encuentros necesarios para promover nuevas prácticas colectivas de exploración, creación y composición en diálogo con la ciudad y el contexto.


Del 19 al 27 de febrero de 2021, la programación de la octava edición reúne cuatro propuestas intensivas de creación en espacios específicos de La Plata - Recolectoras, Dos semanas de vacaciones es un semáforo, Barrer la obra, barriar lo obrado y Antroposceno - seleccionadas por convocatoria abierta. También se llevará adelante la segunda versión de Coreografías de la ciudad: un proyecto colaborativo de observación coreográfica del mundo. Además, se suman con una función al aire libre la obra P3RR1T3$ M4LV4D3$ y el cierre a cargo de Mi amiga invita. 



Informes y redes de contacto:

https://danzafuera.wixsite.com/festival

danzafuera@gmail.com

​Facebook: /DanzafueraFestival

Instagram: @festival_danzafuera




PROGRAMACIÓN


  • VIERNES 19 DE FEBRERO

21 hs. APERTURA 8va EDICIÓN

Ocupación performática de la vereda 

Centro Cultural Vil Teatro - Calle 11 n° 1884 ½ entre 70 y 71. 


  • SÁBADO 20 DE FEBRERO 

21 hs. P3RR1T3$ M4LV4D3$ 

Playòn de estacionamiento del Galpón de La Grieta - Calle 18 y 71.


P3RR1T3$ M4LV4D3$ es un proyecto de cruce entre un recital de música y de una obra escénica. La propuesta descontextualiza los elementos que conforman la idea de un recital de música urbana y los contextualiza en el marco de una propuesta escénica para expandir, potenciar y desarrollar al máximo las posibilidades escénicas del recital como hecho artístico. 

Los objetivos detrás del recital son: cuestionar la formación académica requerida para el desempeño profesional en cualquier rama específica del arte, lo que se supone que debería tener unx artista (bailarinx), para desarrollarse en un género que "no le pertenece".  Por otro lado, denunciar los maltratos sufridos en la carrera de bailarina, el sistema del arte y de la danza como espacio reducido y elitista, los mandatos que se forman bajo las lógicas del mercado del arte. 

En definitiva, P3RR1T3$ M4LV4D3$ tiene como objetivo la búsqueda de una identidad artística por fuera de los parámetros preestablecidos y heredados. Somos P3RR1T3$ M4LV4D3$: Manuela Suárez Poch a.k.a. El Meinyu, Sofía Lederman a.k.a. La Sophi3 y Fiorella Álvarez Vleminchx a.k.a. Fiorey4


Coreografía: El Meinyu, La Sophi3 y Fiorey4.

Asistencia de dirección: Eugenia Lapadula.

Diseño de iluminación: Jesica Montes de Oca.

DJ/Host: Snifany.

Producción: Marcos Krivocapich y Fiorey4.

Idea y Dirección: Fiorey4.


  • DOMINGO 21 DE FEBRERO

15 hs. Coreografías de la ciudad - Prácticas para diagramar un recorrido


Centro Cultural Vil Teatro - Calle 11 n° 1884 ½ entre 70 y 71.


Fotografía - Gentileza de prensa


En cada edición del festival, distintas experiencias nos llevaron a pensar y preguntarnos sobre los movimientos que más allá de las propuestas de danza, suceden en la calle y suelen producirse de por sí en la ciudad. Fue a partir de estos andares colectivos que comenzamos a observar e instalar una pregunta: ¿cómo es una mirada coreográfica? Coreografías de la ciudad es una forma de compartir y abrir esa inquietud.

¿A qué se le presta atención? ¿Cuál es la disposición del cuerpo para observar? ¿Qué rol juega la perspectiva? ¿Cuáles son los parámetros o elementos que componen? ¿Qué ritmo, qué dinámica tiene el entramado urbano? ¿Qué conjunto de relaciones construyen una poética del movimiento?

Acciones y gestos de personas, animales, vegetales u objetos establecen el continuo flujo de movimiento de un entramado urbano. Queremos llevar nuestra atención a estos acontecimientos y observar, escuchar, percibir qué nos devuelven estas acciones que colaboran con nuestras prácticas. 


19 hs. Charla en la vereda: ¿Por qué hablar de coreografía?

Participan: Marie Bardet y Ludmila Hlebovich

Modera: Diana Rogovsky

Centro Cultural Vil Teatro - Calle 11 n° 1884 ½ entre 70 y 71.


  • MARTES 23 DE FEBRERO

18 hs. Barrer la obra, barriar lo obrado de Jazmín García Sathicq

#Residentes2021

Puerta del Hipódromo de La Plata - Avenida 44 y 116 


Partiendo de un punto en común, se realizará un recorrido por calles del barrio Hipódromo, arribando a lugares puntuales donde sucederán escenas teatrales en espacios públicos o privados del barrio. La dramaturgia escénica intentará recopilar historias contadas por lxs vecinxs del barrio, el vínculo emotivo e identitario de vivencias y hallar las historias que viven en el barrio, en lo cotidiano, lo cercano, en las plazas, en los bares, en la gente que nos encontramos por la calle, buscar, hurgar la memoria del barrio. Relatos de acontecimientos vividos en la historia y en la memoria, entre lo subjetivo y colectivo, que al ser relatos se constituyen ficciones creadas por lxs propixs vecinxs.

Las escenas teatrales tendrán una dramaturgia propia, creada a partir de historias reales de gente del barrio a fin de dar cuenta del tejido social y comunitario, reflejar el alma del barrio y de sus vecinxs entre las historias que recorren el barrio.

Performers: Elke Antonio, Silvia Caruso, Jorge González, Alejandro Labaronne y Nahuel Aquino.

Fotografía y registro audiovisual: Elías Pedernera.

Idea, dramaturgia y dirección: Jazmín García Sathicq. 


  • MIÉRCOLES 24 DE FEBRERO 

18hs. Recolectoras de Mari Sanguinetti y Savia Flor.

#Residentes2021

Plaza Matheu - Avenida 1 y 66 


Caminar para unir los puntos, coreografiar un recorrido, recolectar como una forma de reconstruir la imagen que está debajo del mapa o en la superficie. Una hoja de ruta, un mismo punto de partida, distintas direcciones, partir el camino, inventar un método. ¿Es posible construir grupalidad si vamos en distintas direcciones? ¿qué nos une? ¿los mismos movimientos ? Volvernos a reunir, compartir pequeños descubrimientos. 

Las Recolectoras proponemos realizar un recorrido colectivo que funcione como una coreografía sobre una porción del mapa de la ciudad de La Plata, unirnos a través de ciertos movimientos previamente establecidos y trasladarnos en distintas direcciones bajo una serie de pautas de recolección y observación que nos ofrezca una mirada extrañada del espacio transitado y en la reunión posterior de esos elementos y experiencias recolectadas construir una mirada colectiva sobre ese espacio.


  • JUEVES 25 DE FEBRERO

18 hs. Dos semanas de vacaciones es un semáforo de Periféricxs.

#Residentes2021

Diagonal 74 y 49


Fotografía - Gentileza de prensa



¿Cuánto tiempo nos tomamos para descansar? [Uy, agarré otro semáforo] “Vacaciones playeras al alcance de tu mano…” ¿Las vacaciones solo son para descansar? [Toca bocina el de atrás] ¿En un año cuánto descanso es dos semanas? “...Este verano vení a disfrutar…” [¿Cuánto dura este semáforo?] “¿Sólo dos semanas al año, siempre en la segunda quincena ? Quedáte en La Plata, disfrutá del verano, del sol, la arena, el mar... “ [Uf, ¡qué calor! ] “...los mejores churros, atardeceres increíbles, te lo vas a perder?” Dos semanas de vacaciones es un semáforo.


Idea, producción y dirección: Periféricxs

Performers: Juan Pablo Valenti, Felicitas Sisti, Matias Jury y Regina Cupo.

Sonido: Matías Jury


  • VIERNES 26 DE FEBRERO 

18 hs. Coreografías de la ciudad - Recorrido performático

Centro Cultural Vil Teatro - Calle 11 n° 1884 ½ entre 70 y 71.


Danzafuera propone salir a derivar por la ciudad para encontrarnos con sus coreografías, poniendo a prueba el dispositivo elaborado en el encuentro previo para llevar nuestra atención a las acciones y gestos de personas, animales, vegetales u objetos que forman parte del continuo flujo de movimiento del entramado urbano. 

Para sumarse a este recorrido no es necesario haber participado de ese primer encuentro. Si es importante traer celular -o algún otro elemento para reproducir música- y auriculares. 


  • SÁBADO 27 DE FEBRERO

18 hs. Antroposceno de Gonzalo Monzón

#Residentes2021

Parque Saavedra - Calle 11 n° 1477 entre 62 y 63. 


Antroposceno reflexiona sobre la relación entre el ser humano y su entorno mediante una performance en el parque Saavedra. A partir de la teoría de las cinco pieles de Friedrich Hundertwasser´(epidermis, ropa, casa, identidad, mundo), se practica la conexión e intercambio entre cuerpo, materialidad y espacio. La secuencia de acción se organiza a partir de procedimientos de creación como la metamorfosis; el espacio liminal entre sujeto y contexto; y la idea de piel como membrana viva que contiene y comunica al exterior. 

El término antropoceno está compuesto por el prefijo -ánthropos- que significa ser humano y la palabra -kainos- que hace alusión a lo nuevo, lo reciente. Frente a un panorama de cambios drásticos en la escena artística mundial, Antroposceno crea una realidad organizada en capas de sedimento compuesto por la naturaleza, la materia, la ciudad, la imposibilidad, las costumbres, aquello que sucede y sucedió. Qué sedimento va a conformar nuestra capa en el futuro.


Performer: Gonzalo Monzón.

Vestuario y asistencia técnica: Indira Bogado. 


20 hs. CIERRE DE FESTIVAL a cargo de MI AMIGA INVITA

Patio de Club Cultural El Sótano - Calle 53 n° 774 e/10 y 11.


Mi amiga invita es un espacio de improvisación creado por dos bailarinas que le gusta bailar y gestionan espacios para eso. Hacer lo que les encanta. Coordinado por Delfina Serra y Julia Portela Gallo.


Iluminación: Agustina Palermo

Visuales: Lachina DJ Gvaste

Coordinación: Delfina Serra y Julia Portela Gallo 



ARIADNA PECAPEDRA: "TODAVÍA QUEDA MUCHO POR HACER"

Por Jonatan Melo

El artículo que sigue a continuación fue escrito por Jonatan Melo en el marco de las actividades propuestas por el Seminario Online de Periodismo de Danza


Ariadna Pecapedra nació en Montevideo el 8 de abril de 2007. Comenzó a estudiar ballet a los 4 años y luego también flamenco, árabe y lyrical jazz. En 2016, un carnaval la llevó a ser parte de la Confederación Interamericana de Profesionales de Danza en Buenos Aires, Argentina, donde obtuvo el segundo premio de clásico solista y lyrical jazz. Fue en 2017 que logró el primer lugar en árabe solista, en Salto, Uruguay. En 2019 se presentó en el carnaval de las promesas con el grupo llamado “La Revista Dulcinea” quedando finalista del concurso. Fue así que en el año 2018 comenzó a estudiar danza clásica en la Escuela Nacional de Danza del Sodre y al año siguiente fue seleccionada por el Sodre siendo su primera actuación en “Los cuentos de la selva". Actualmente continúa desarrollando su carrera como bailarina.


Fotografía - Jonatan Melo

JM: -¿Qué fue lo primero que te hizo pensar en seguir una carrera como bailarina?

AP: Desde muy chica me gustó el ballet. Fue algo que me apasionó desde el instante en que lo vi y me dije: yo quiero dedicarme a la danza.

JM: ¿Fue por alguna bailarina en especial?

AP: No, nunca fue por una bailarina o porque quería ser como alguien sino que vi lo que se expresaba, lo que se sentía al hacerlo, y me conecté con eso.

JM: ¿Cuál ha sido hasta ahora el mayor desafío que has encontrado en tu carrera?

AP: El mayor desafío fue entrar al Sodre porque fue un gran cambio. Antes yo iba a academias y no estaba todo el tiempo pensando en si me esforzaba o no para seguir adelante. En el Sodre te evalúan, cuesta mucho avanzar y no es fácil lo que me hizo crecer como artista.


Fotografía - Jonatan Melo

JM: ¿Qué es lo más difícil de subir a un escenario?

AP: El miedo a equivocarte: antes de subir o estar en escena, pensar "si te olvidás de algo", porque a veces cuando bailás como solista lo podes arreglar pero cuando estás bailando con toda la compañía podés perjudicar a otros bailarines y pienso "si me equivoco qué va a pasar...".

JM: ¿Creés que el mundo de la danza ocupa el lugar que se merece?

AP: No, creo que se puede mejorar y profundizar aún más. Todavía queda mucho por hacer.

JM: ¿Qué es lo que considerás importante para llegar a ser profesional?

AP: Hay que tener mucha actitud, es lo que más vale. Y perseverancia, ya que tenés que tener confianza en vos misma porque sinó no llegás a ningún lado.

JM: ¿Qué es lo que más te gusta de tu profesión?

AP: Cuando subís al escenario mostrás al público lo que hacés, demostras alegría y podés sentir a las personas que están tristes, sentir que a ellas les gusta tu baile. Creo que lo importante es ver al público disfrutando lo que hacés, mostrándolo, y eso es lo mejor que hay.-


AHMAD JOUDEH: "WHEN I DANCE I SWEAT MY TEARS"

Ana González Vañek


I would like to claim once again the immense transforming power of dance. As a social practice that can resignificate individual and collective experiences, this powerful art in all its forms and expressions can heal our world. There are bombs falling on entire towns right now. What are we doing to avoid it? 

In the path of redemption through dance, I discovered a jewel that shines for entire humanity. 

Ahmad Joudeh was born in Damascus in 1990 as a stateless refugee. Under the civil war, he experienced life-threatening situations, his home was destroyed and he lost five family members. After witnessing a child killed in a battle, he started working for children orphaned in the war, joining activities of SOS Children's Villages Syria: holding dance shows for fundraising and dance workshops for orphans at their villages.

Because of his dance activities, he received constant threats from extremists. As a response, he had the words “Dance or Die” tattooed on the back of his neck, the spot where a blade would fall in decapitation.

For Ahmad Joudeh, to dance is to exist. To give up dancing was not an option.

In August 2016, Ahmad Joudeh’s struggle in Syria was reported in a news program on Dutch National Television. Touched by the story, The Dutch National Ballet organised The Dance For Peace Fund, which invited Ahmad Joudeh to The Netherlands.
In October 2016, Ahmad Joudeh moved to Amsterdam. Since 2017, he has been internationally active as an artist with Amsterdam as the base. He has also been contributing to events for raising awareness of the refugee situation. 
In November 2018, Ahmad Joudeh published his autobiography “Danza o Muori" (Dance or Die).



Photography by Julien Benhamou

 

AGV: -After experiencing one of the greatest tragedies that part of our humanity lives, how was the experience of dance in your life? 

 

AJ: My dance experience in Syria was very challenging already before the war broke out. Being born in the refugee camp in Damascus for Palestinian refugees, to be a ballet dancer was not easy, especially for a man. Under the war, the life itself became hard. On top of that, I started receiving threats from the extremists, simply because I was a dancer and I was teaching dance to children. But it was never an option for me to stop dancing. I am lucky that I could become a successful dancer after all these experiences. 


Photography - Courtesy of Ahmad Joudeh

 

AGV: How would you describe your artistic evolution in the path of dance as a form of redemption? 

 

AJ: I think the artist has the same duty like the soldiers, especially when the country is facing a war. Here, artists’ role becomes so important because a country without culture and arts is a country not worth fighting for. As Jonathan Larson said, “the opposite of war is not peace, it`s creation”. And that’s what I believe as well.


Photography - Courtesy of Ahmad Joudeh


AGV: In which ways has the pandemic impacted your work as a dancer and what is your vision about this stage in the history of our societies?

 

AJ: Nowadays we are living a very difficult time because of the pandemic. It has affected my work as a dancer as it has for all artists, and basically everybody. I can hardly train and I’m not performing. But I have used this period for a different way of training as a dancer than I used to: I have been training my body for more than 15 years, almost the half of my age, but in this period, I wanted to take a year to train my mind. I have done a good work and I am happy about it. 

I have also used the time to work on the English version of my book “Dance or Die”, which will be published in the US the second half of this year. It was originally published in the Italian language two years ago, and it was very successful. Now I’m looking forward to the publication of the English version. Besides that, I was involved in some online art projects, including the quarantine video of the song “My Word is Free” of Emel Mathluthi. I also produced some quarantine videos of my own, which are posted on my social media. In November 2020, I was a member of jury for 2020 JCS International Young Creatives Awards of the International Academy of Television Arts & Sciences (INTERNATIONAL EMMY®). And in January 2021, I was a member of jury for online international dance competition “Ballet Beyond Borders” organised by Rocky Mountain Ballet Theatre in Montana, USA. They were both originally planned to take place in USA, in New York and in Los Angeles, respectively. But because of the pandemic, they were held online.

 

AGV: What do you understand about to communicate through dance?

 

AJ: I think communication through dance can bring what we cannot tell by words or even by songs. When I dance, I am in the most vulnerable state on which I can be. While I am dancing I put my feelings all out there, I give my heart wide open, and I sweat my tears.-


Photography - Courtesy of Ahmad Joudeh


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To know more about Ahmad Joudeh


www.ahmadjoudeh.com


Follom him on social media


Instagram: @ahmadjoudehofficial


Facebook: /ahmadjoudehofficial




ISADORA EN MÍ

El texto que sigue a continuación fue escrito por Florencia Sasson en el marco de las actividades propuestas por el Taller Online El Legado de ISADORA DUNCAN.


Artista: Abraham Walkowitz


Me gusta volver atrás y recordar el momento en el que me inscribí al taller. Sobre todo porque este año (2020) fue un año diferente a cualquier otro. En lo personal, este “parate” que nos tocó a causa de la pandemia me llevó a detenerme sobre mis hábitos y mis creencias. Este proceso de autoconocimiento me atravesó principalmente en mis preguntas: ¿Para qué bailo? ¿Por qué dedico mi vida al arte? 

Comencé a investigar sobre la historia de la danza, y a tomar diferentes clases de improvisación para encontrarme en diferentes puntos de vista. Al mes y medio apareció ante mis ojos (en mi inicio de Facebook) este taller, “El Legado de Isadora Duncan”, el cual resultó tener un significado potente en este proceso de desarrollo personal y como bailarina. Pasé por muchas emociones. Al principio recuerdo haber sentido mucho entusiasmo al leer los textos y entender cómo concebía Isadora la inspiración. Luego me sucedió el identificarme con sus vivencias en lo que sería la parte técnica y académica de la danza. Fui descubriendo el por qué de mucho enojo conmigo misma y frustración que había aparecido en mi vida con el ballet, logrando dimensionar de dónde venimos como cultura occidental, cuál fue y es nuestra historia como bailarines y seres humanos, a la vez que iba percibiendo un nuevo horizonte y nuevas respuestas, de un paradigma libre y amoroso en un camino trazado por Isadora. 

Al leer su biografía llamada ”Mi vida” me encontré con un relato trágico y poético. Me sucedió que fui conectando a mi propio relato de vida, y también con mi propia oscuridad y miedos. Isadora cuenta problemas y horrores terrenales que atraviesan la experiencia humana, pero también muestra al arte como un punto al que siempre volver, como un salvavidas, como lo eternamente presente e infinito. Era sorprendente la forma en que siempre desde un pozo emocional y/o económico, Isadora continuó creando, moviéndose y luchando por sus ideas y por su goce. Conecté con mi responsabilidad como ser humana, deseante, con capacidad de disfrutar, amar y vivir por y para la danza. 

Era también muy revelador cuando hablaba del amor libre. Ella hace una observación interesante en el libro: compara la cantidad de placeres que nos prohibimos por tabúes y moralidades, y cuánto dolor en cambio tenemos que pasar constantemente en estos cuerpos por enfermedades o situaciones cotidianas. Con respecto a este tema, estuve investigando acerca del amor libre, hasta me metí en un grupo en Faceboook con gente que lo practica, y que comparte sus experiencias, problemas y preguntas en cuanto al tema. 

Lo que yo me llevo de Isadora en cuanto a lo romántico, es su capacidad de enamorarse mil veces, su capacidad de crear, disfrutar y compartir los cuerpos, el arte y el alma con los demás. Cuando leí la última página del libro que describía su muerte me quedó un vacío en el pecho. No sólo el vacío que aparece al finalizar cualquier libro, película o vida. Un vacío raro, amargo, que venía tras un final inconcluso y sobre todo, injusto. Y ahí sentí la responsabilidad que mencioné, que apareció como una ola de vitalidad y de esperanza por mi proceso artístico, que se sentía como un deber o una misión. 

Valoré el estar, el momento y la posibilidad que éste me brinda de desarrollar mi sueño: de danzar y de enseñar, de decir a través de la danza, y de compartirlo con más personas, tal como lo hizo Isadora Duncan.

DANZANET. UNA INICIATIVA DE COMUNICACIÓN CULTURAL

¿Conoces la importancia de la comunicación digital para la danza? He aquí un medio de comunicación referencial para la comunidad de la danza en Iberoamérica, que ha sabido sostenerse en el tiempo para cumplir con esta misión fundamental.

Te invitamos a disfrutar la conferencia que el Maestro Jaime Soriano brindó recientemente, en el marco del Festival Veracruz Escena Contemporánea.
Nuestra directora, Ana González Vañek, tuvo el placer de coordinar la dirección editorial de DanzaNet durante 10 años (2007 - 2017) y el honor de ser destacada por esta labor, con el Premio Teatro del Mundo que otorga la Universidad de Buenos Aires.*
Cabe destacar que DanzaNet fue la primera revista digital de danza en Argentina y en Iberoamérica, y que este proyecto fue posible gracias al apoyo y colaboración de instituciones y colaboradores en todos los países de habla hispana.
Fue en el marco de nuestro trabajo conjunto con DanzaNet que nació el exitoso Seminario de Periodismo de Danza, referencia pedagógica para todas las personas interesadas en formarse profesionalmente en esta disciplina.
*Para escuchar más al respecto, accede al minuto 16.30 en el registro de video.




SE ESTRENA EN NETFLIX LA SERIE MOVE

 


El 23 de octubre llega a Netflix esta maravillosa producción de Falabracks y Gaumon, con dirección de Thierry Demaizière y Alban Teurlai: una hermosa manera de acceder, a través del trabajo de los más grandes coreógrafos en el mundo, a la comprensión del inmenso poder transformador de la danza.